Vista frontal. Desfile de moda de Geoffrey Beene-

Finalmente llega al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía -procedente del Fotomuseum Winterthur, pero ampliada y reformulada para la ocasión- una necesaria exposición retrospectiva dedicada a analizar la obra fotográfica de Zoe Leonard (Nueva York, 1961). Una cita obligada con una artista ineludible que sin duda ha tardado demasiado tiempo en hacerse realidad pero que a la vista del resultado satisface plenamente las expectativas acumuladas: cerca de un centenar de obras bien estructuradas y un catálogo exhaustivo que recopila la práctica totalidad de sus trabajos fotográficos. Para la exposición en Madrid se ha incorporado a la selección previa de trabajos Analogue, una importante obra desarrollada por Leonard entre 1998 y 2007, formada por unas 400 fotografías y que formó parte del programa de la pasada Documenta. Una instalación que en cierto modo, tanto por su amplitud como por su intensidad, pasa a convertirse en el auténtico centro de esta retrospectiva.

La trayectoria de Zoe Leonard es particularmente interesante dentro del medio fotográfico al desarrollar posiciones y estrategias creativas que se mueven, casi simultáneamente, en diversos territorios: desde la fotografía conceptual al realismo instrumentalizado, pasando por el activismo de género. Probablemente la característica más significativa de su obra sea precisamente el equilibrio que consigue entre lo visual y lo informacional, entre la parte estética y formal de su trabajo y las cuestiones sociales e ideológicas que es capaz de vehicular. Aspectos como la belleza o la emoción, tan complejos de abordar en el medio fotográfico, siguen presentes en su práctica al lado de una decidida reflexión sobre el carácter instrumental e informativo de las imágenes. No es ajena a esta singular posición la línea de filiación que une su trabajo con el de Atget o Walker Evans y que ella misma reivindica en sus declaraciones y escritos. La imagen desmaquillada a la que hacía referencia Walter Benjamin al hablar de las fotografías de Atget como una imagen sin adornos, o el proceso de depuración al que sometió su trabajo Walker Evans, están muy presentes en la obra de Zoe Leonard. Como en Atget, sus registros fotográficos se convierten en piezas de convicción en el proceso histórico, cualidad especialmente visible en su ambiciosa serie Analogue. Una cualidad que tiene mucho que ver con dos de las cuestiones que, según afirma en diversas entrevistas, rigen su trabajo: la observación y la obsolescencia. Para ella: “La fotografía es intrínseca a la observación. Es estar en el presente y tener una inequívoca perspectiva sobre él, sobre el mundo que me rodea”. Y la perspectiva sobre el mundo es algo que en su caso está estrechamente asociado a la elección: elegir qué mirar y cómo mirarlo. Una elección para que el espectador se abra camino hacia la imagen. En cuanto a la obsolescencia y el sentido con el que impregna su trabajo, su postura es igual de explícita: “Me da la impresión de que la obsolescencia tiene menos que ver con el tiempo que con el contexto, con lo que tiene sentido en una determinada circunstancia. Nuestra forma de hacer las cosas, o de fabricarlas, refleja el rumbo general que está tomando nuestra sociedad”. Esa deriva, que ahora lleva de lo local a lo global, está ejemplarmente ilustrada en Analogue, una observación que partiendo de Nueva York y la destrucción-transformación del tejido urbano se extiende hacia la reflexión sobre la circulación de bienes, las economías dependientes y la interdependencia de los mercados.

Hasta llegar a esta obra, cronológicamente la última de las reunidas en esta retrospectiva, la exposición recorre dos décadas de trayectoria. Imágenes con perspectiva aérea de cielos y ciudades, de caminos y vías de ferrocarril; de modelos anatómicos femeninos registrados en diversos museos y de modelos de carne y hueso en desfiles de moda; de animales disecados y maniquíes; de ventanas y puertas de edificios tapiadas y obsoletas; de árboles que desbordan una planificada contención urbana a su crecimiento; o de una vida ficticia, la de Fae Richards, actriz y cantante negra que resiste y escapa a los estereotipos de su época. Obras en las que procede a instituir o abolir miradas, en la mayoría de los casos mediante una reutilización y apropiación de los usos instrumentales de la fotografía: la fotografía aérea o de reconocimiento, la fotografía científica y médica, la fotografía de moda, o el propio álbum familiar. Ya se trate de abolir la mirada masculina sobre la mujer para sustituirla por la suya propia, de rastrear la naturaleza de la representación espacial a través del contraste entre fotos aéreas, mapas y maquetas o de testimoniar realidades en el trance y proceso de convertirse en historia, Zoe Leonard hace uso tanto del registro, el archivo, la acumulación y la clasificación como de las condiciones más funcionales de lo fotográfico, para señalarnos toda una serie de indicios sobre nuestra condición.

Coincidiendo con esta amplia exposición, la galería Pepe Cobo presenta un pequeño grupo de obras de la artista, algunas de las cuales están presentes en ambas muestras. No es demasiado lo que añade esta segunda propuesta, salvo la oportunidad de contemplar con mayor extensión la serie de imágenes aéreas que sobre la ciudad de París realizó la artista en 1989/1990, cuerpo de trabajo que centra casi en exclusiva lo que se ofrece en este espacio. -

Zoe Leonard: Fotografías. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Santa Isabel, 52. Madrid. Hasta el 16 de febrero de 2009. Zoe Leonard. Early photographs. Galería Pepe Cobo. Fortuny, 39. Madrid. Hasta el 16 de enero.

Vía El País.

 Sin otro motivo más que su “admiración y respeto” hacia la revolución cubana, sin más propósito que expresarlo y conmemorar a su manera los 50 años de la gesta que encabezaron Fidel Castro y el Che Guevara, Martín Martínez Martínez se “apropió” de 10 fotografías emblemáticas de la Revolución de Mario García Joya, Alberto Díaz “Korda”, Mario Collado, Raúl Corral, Perfecto Moreno, Mario Díaz; imágenes de personajes legendarios como Fidel o el Che; de momentos significativos como aquel en el que una paloma se posa en el hombro de Fidel cuando da un discurso; o fotos de héroes anónimos de la revolución, fueron digitalizadas e intervenidas por Martínez. El resultado se puede apreciar en la exposición Cuba va, inaugurada la noche del jueves en la Galería Fayad Jamís de la embajada de Cuba.

 La intervención consistió en amplificarlas y sobreponer digitalmente en cada una, miles de fotos en miniatura de tal manera que el conjunto reproduce la imagen y las tonalidades de la foto original, como en una especie de rompecabezas digital.

De eso modo quedan a la vista del público fotos como aquella que le tomó Korda al Che, que se ha convertido en un símbolo y en la más reproducida en la historia de la fotografía. También está El Quijote de la farola, del mismo autor, en la que se ve a un hombre trepado en lo alto de una lámpara callejera observando a la multitud que aclama el triunfo de la revolución.

No soy un artista

Martín Martínez Martínez (Orizaba, Veracruz, 1962) aclara que no es ni se considera artista: “Yo soy informático e hice este trabajo con mucho cariño, en muchos fines de semana, en muchas noches y madrugadas, pero lo hice con mucho respeto y admiración hacia la Revolución y hacia los grandes fotógrafos, verdaderos artistas, que la registraron.”

Explica que “existen grandes mitos en relación con las nuevas tecnologías. Uno es que la gente piensa que “todo se arma y se arregla apretando un botón” y otro es al contrario, “que es algo imposible de utilizar por los seres humanos comunes y corrientes”.

Ni lo uno ni lo otro. Aunque reconoce que fue un trabajo laborioso: “Empecé a trabajar con mil 200 fotos que llamaré ‘originales’; de esas generé aproximadamente 2 mil 500, en particular reproduciendo detalles y diferentes tonalidades, acercamientos, ángulos; aparte generé otras 800 fotos extraídas de videos tomados de Internet o de otras formas, congelando las imágenes para extraer las fotos. En total me llevó a generar una estructura de 37 mil fotos.”

Al final el propósito, el sentido fue simplemente “expresar mi respeto y admiración hacia el trabajo y la dignidad del pueblo cubano, y como un homenaje ahora que la revolución está por cumplir 50 años.”

Por Arturo García Hernández

Vía La Jornada.